当清晨的薄雾还萦绕着古旧的飞檐，当巷口的糖炒栗子香混着烤红薯的甜漫过青石板路，当红绸子系着的灯笼在风中轻轻摇晃，庙会的热闹便从四面八方涌来，而在这一切喧嚣的中心，总有那么一方戏台——红漆立柱撑起简陋的顶棚，两侧“国泰民安”“风调雨顺”的锦旗在阳光下泛着光，锣鼓家什“咚咚锵”一响，台下的人群便安静下来，目光齐刷刷投向台上，那里，正演绎着千百年来流传的经典戏曲剧目，唱腔婉转，身段翩跹，将庙会的烟火气熬成了最醇厚的“人间滋味”。
庙会，本是民间祭祀神灵、祈福纳祥的集会，从汉代“祠堂”到唐代“庙市”，再到明清时“逛庙会”成为全民狂欢，它的核心始终是“人”与“场”的交融，而戏曲，作为最具群众基础的艺术形式，恰好成了庙会的“灵魂”，在没有电视、网络的年代，戏台是庙会里最耀眼的“明星”——十里八乡的村民穿着新衣，挎着篮子，既是来烧香祈福，更是来看戏听曲，戏班子们也懂得这份期待，把压箱底的经典剧目搬上戏台，用唱念做打，将忠孝节义、爱恨嗔痴的故事，讲给每一个驻足的人听。
这种“双向奔赴”里，藏着中国人最朴素的情感需求：庙会给戏曲提供了最广阔的舞台，让经典剧目在烟火中“活”起来；戏曲则给庙会注入了文化的魂，让热闹的集会有了“看头”和“念想”，当《穆桂英挂帅》的唱腔穿透人群，当《梁山伯与祝英台》的化蝶引来叹息，庙会便不再只是买卖的集市，而成了流动的“文化课堂”，让老一辈在熟悉的唱段里重温岁月,让年轻一代在故事中触摸传统。
庙会上的戏曲剧目，多是经过时间淘洗的“老戏”，它们或家国情怀激荡，或儿女情长缠绵，或善恶分明昭彰，故事里的悲欢离合，恰似庙会里的人来人往，总能让人在戏里找到自己的影子。
京剧《穆桂英挂帅》：是庙会戏台上的“硬骨头”，当穆桂英身披铠甲、手持令旗登场，那“猛听得金鼓响画角声震”的唱段一响，台下立刻安静得能听见风吹锦旗的声音，老人们眯着眼跟着哼，孩子们瞪圆了眼睛看“穆桂英挂帅”的威风——这出戏讲的是家国大义，是“我不挂帅谁挂帅”的担当，恰如庙会里人们对“国泰民安”的期盼，唱腔铿锵，底气十足，连空气都跟着沸腾起来。
越剧《梁山伯与祝英台》：则是庙会里的“柔风”，戏班子多选在傍晚演出，夕阳把戏台染成金色，祝英台“十八相送”的唱段便随着晚风飘散：“过了一山又一山，前行到了凤凰山”，台下坐着的大多是姑娘媳妇，有人悄悄抹眼泪，有人跟着轻声唱，连卖糖葫芦的大爷都忘了吆喝，只顾着听，这出戏讲的是“化蝶”的凄美，也是中国人对“情”的执着，就像庙会里糖葫芦串上的红果，甜里带着一丝酸，让人回味。
豫剧《花木兰》：带着中原大地的豪爽，一上台就让人精神一振。“刘大哥讲话理太偏，谁说女子享清闲”的唱词，花木兰一身男装，英姿飒爽，台下的大老爷们儿拍着巴掌叫好，姑娘们则偷偷学着花木兰的动作，这出戏把“忠孝”和“巾帼不让须眉”揉在一起，恰如庙会里男女老少同乐的热闹，既有力量，又有温度。
黄梅戏《天仙配》：是庙会里的“甜点”，七仙女“夫妻双双把家还”的唱段，几乎每个赶庙会的人都能哼上两句，戏台上的七仙女的蓝衫飘飘，董永的憨厚老实，台下的大人小孩都看得入迷——这出戏讲的是“凡人仙眷”的爱情，简单又美好，就像庙会里的糖画，甜甜的，谁见了都笑。
在庙会的戏台边，总能看到这样的场景：白发苍苍的老人坐在前排，手指轻轻敲着板眼，跟着唱腔摇头晃脑；中间是抱着孩子的父母，指着戏服上的花纹给孩子讲“这是穆桂英的铠甲，那是祝英台的裙子”；后排的年轻人举着手机，拍下戏台上的瞬间，发朋友圈配文“庙会偶遇老戏，太有味道了”。
这便是经典戏曲剧目的生命力——它从不会因时代变迁而褪色，反而像庙会里的糖葫芦，一层裹着一层，裹着老记忆，裹着新感动，戏台上的演员或许不是名角，一招一式却带着对戏曲的敬畏；台下的观众或许不懂“西皮二黄”，却能从唱腔里听出喜怒哀乐，这种“不懂却爱看”的默契，正是戏曲与庙会
